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A secreto agravio, secreta venganza de la compañía Jóvenes Clásicos se alza como ganadora del VII Certamen Internacional Almagro Off

Una versión de Pablo Bujalance basada en la obra de Calderón de la Barca. El montaje cerrará la programación del Corral de Comedias los próximos 29 y 30 de julio
A secreto agravio
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Natalia Menéndez, directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ha anunciado esta mañana que el espectáculo ganador del VII Certamen Internacional Almagro Off es A secreto agravio, secreta venganza, una versión de Pablo Bujalance basada en la obra de Calderón de la Barca y puesta en escena por la compañía malagueña Jóvenes Clásicos.

Según el jurado, el montaje dirigido por Pedro Hofhuis ha destacado por “el desafío que implica poner en escena un texto poco difundido de Calderón, así como el hecho de haber escrito una versión libre que rescata la poesía del original y actualiza su lenguaje y sus valores. También se ha valorado especialmente el cuestionamiento del tema del honor y el valioso alegato contra la violencia de género y la intolerancia que conlleva la propuesta. Finalmente, se ha destacado la puesta en escena por sus acertadas interpretaciones, los recursos del thriller policiaco, las imágenes que aluden al cine y la utilización del fado como tema musical, todo lo cual otorgan a la propuesta un lenguaje conmovedor, pertinente y necesario”. 
 
Para Hofhuis ganar el Almagro Off es un sueño hecho realidad. “Yo he estudiado teatro para estar aquí, hacer teatro clásico y hacerlo en Almagro. Ahora tengo la posibilidad de subirme al Corral de Comedias que es lo que he estado deseando toda la vida”, afirma el director.
 
El actor y asesor de verso de la obra José Carlos Cuevas destaca que “ganarlo en la 40 edición del Festival es cerrar un ciclo que empezó en 2005 cuando entré en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Natalia Menéndez fue la primera docente que me enseñó verso”.
 
El jurado ha querido realizar también tres menciones especiales. La primera ha recaído en Twelfth Night, de la Compañía Flute Theatre (Reino Unido), con adaptación y dirección de Kelly Hunter, porque “desde la sencillez han sabido ofrecer un trabajo muy cuidado y expresivo”.
 
La segunda mención ha sido para Romeo y Julieta, de la Compañía Projecte Ingenu (Cataluña), dirigido por Marc Chornet, “por suponer una clase magistral de puesta en escena”.
 
La tercera ha sido para Pericles, de la Compañía La Sed Teatro (Madrid), versión y dirección de Pilar Valenciano, “por la audacia de la elección de un texto de tanta complejidad y por redescubrir e intentar dar carácter contemporáneo al texto de Shakespeare”.

A secreto agravio, secreta venganza cierra la programación del Corral de Comedias de esta edición el 29 y 30 de julio a las 22:45 horas. Esta versión libre del texto de Calderón debate sobre los modelos de relación afectiva que permiten justificar el asesinato execrable de las mujeres a manos de sus parejas en las sociedades contemporáneas.
 
Almagro Off es una iniciativa de la Fundación Internacional de Teatro Clásico con la que apuesta por los jóvenes directores noveles y su mirada contemporánea e internacional de las temáticas clásicas del Barroco. Las propuestas: tres estrenos absolutos, tres estrenos en España y textos menos representados de Calderón, Shakespeare y Alonso de Ercilla, han procedido de cinco países: Grecia, Colombia, Reino Unido, Chile y España.
 
Además del ganador del VII Certamen Internacional Almagro Off, han participado nueve espectáculos más, que en orden de representación han sido: El monstruo de los jardines, de Calderón de la Barca, dirigida por el actor David Lorente y con versión de Juan Mayorga; Yellow Macbeth, versión libre de la obra de Shakespeare dirigida por Asun Alonso; Romeo y Julieta, a partir de la obra de Shakespeare y dirigida por Marc Chornet; Pericles, versión libre de la obra de Shakespeare dirigida por Pilar Valenciano; y el estreno absoluto de Aparece un corazón en un descampado, basado en la obra Lástima que sea una puta de John Ford y dirigido por Itxaso Larrinaga. Desde Grecia llegó The Tempest, adaptación libre de la obra de Shakespeare dirigida por Kiki Strataki y desde Reino Unido Twelfth Night, un estreno absoluto dirigido por Kelly Hunter. Los chilenos de la compañía Teatro del Nuevo Mundo presentaron Auto Sacramental La Araucana, dirigida por Tania Faúndez Carreño. Por último, desde Colombia llegó La daga de Caravaggio, trasposición libre de la obra de Molière Las preciosas ridículas, dirigida por Manuel Torres.
 
Esta edición ha contado con el apoyo del Teatro Pavón Kamikaze, en el que se exhibirán algunos de los montajes del Certamen y con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), que incluirá en su catálogo al ganador o menciones especiales nacionales de cara a la promoción de la creación española en el exterior.

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Hungarian Theatre of Cluj estrena en España Julio César, drama político con resonancias contemporáneas

Desde Rumanía, país destacado en esta edición, llega esta pieza dirigida por Silviu Purcărete Se trata de una espectacular puesta en escena del drama político shakesperiano que podrá verse en AUREA el 28 y 29 de julio
Hungarian Theatre of Cluj estrena en España Julio César, drama político con resonancias contemporáneas
Hungarian Theatre of Cluj estrena en España Julio César, drama político con resonancias contemporáneas
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Hungarian Theatre of Cluj estrena en España Julio César, drama político con resonancias contemporáneas
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Hungarian Theatre of Cluj estrena en España Julio César, drama político con resonancias contemporáneas
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Julio César va a quedar en el recuerdo de esta 40 edición por su reparto magnífico y su estética impresionante. Una prueba de que la belleza puede ser interpretada". Con estas palabras ha descrito Natalia Menéndez, directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, la puesta en escena que la compañía Hungarian Theatre of Cluj subirá a las tablas de AUREA hoy y mañana. 

Desde Rumania llega este espectáculo interpretado en húngaro, una de las minorías lingüísticas del país y ejemplo del teatro de tradición magyar, en el que los sobretítulos en español ayudarán al público a adentrarse en el drama político más duro de Shakespeare. 

Dirigido por Silviu Purcărete y con dramaturgia de András Visky, el espectáculo muestra con impecable perspicacia la conspiración del Partido Republicano, perpetrada por Brutus y sus hombres. Lo que en principio era una hazaña en busca del bien común, termina desencadenando una guerra civil y la decadencia de Roma. 

Con reverberaciones en el presente, imposible no encontrar paralelismos con la Primavera Árabe, la compañía ha destacado en la rueda de prensa que precisamente "una de las ventajas que tienen los textos clásicos es que trabajan con arquetipos. Exhiben temas universales, válidos en cualquier parte del mundo". Así, el crimen contra el líder romano, se convierte en parábola del asesinato moral de las instituciones. 

Con una personalísima estética, el montaje cuenta con un vestuario elaborado con papel que evoluciona con los personajes y se destruye en escena. La música, a cargo del compositor Zoltán Horváth, integra los elementos sonoros como un elemento orgánico de la pieza, al nivel de las interpretaciones. 

Un espectáculo en el que los actores se han visto obligados "a salir de su zona de confort" y en el que el público está invitado a sumergirse en una experiencia fascinante con más de quince actores en escena. 

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La vida es sueño

Conoce Castilla-La Mancha os presenta unos fragmentos de la obra "La vida es sueño" de Calderón de la Barca. Adaptación Alfonso Plou, Carlos Martín y José Luis Esteban. Dirección Carlos Martín. Obra que se podrá ver el 28 y 29 de Julio en el Espacio Miguel Narros
La vida es sueño disecciona, con una estructura compleja, muy bien elaborada y de profunda carga simbólica, la capacidad del ser humano para ejercer su libertad frente al destino. Obra filosófica bien sustentada en una trama escénica donde los juegos de poder se cruzan con el deseo y donde la realidad está siempre contagiada por lo onírico.   La vida es sueño es una deuda pendiente con nosotros mismos. Es uno de nuestros textos de referencia, tanto por los temas que desarrolla como por la brillantez con que
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La vida es sueño disecciona, con una estructura compleja, muy bien elaborada y de profunda carga simbólica, la capacidad del ser humano para ejercer su libertad frente al destino. Obra filosófica bien sustentada en una trama escénica donde los juegos de poder se cruzan con el deseo y donde la realidad está siempre contagiada por lo onírico.

La vida es sueño es una deuda pendiente con nosotros mismos. Es uno de nuestros textos de referencia, tanto por los temas que desarrolla como por la brillantez con que Calderón los expresa. Es una obra que necesita ser entendida desde la experiencia escénica, por ello creemos que es ahora, con 22 años de rodaje, un buen momento para afrontarla con la profundidad y el Temple necesarios.

La vida es sueño es verso, es ritmo, es expresión existencial, denuncia frente al poder cruel, reflexión vital. La Polonia que aparece en la obra es un mundo opresivo al que vemos un paralelismo en determinados ámbitos contemporáneos, con sus propias leyes internas, donde la violencia se expresa en reglas de poder estrictas. Los siete actores y la música en directo van a crear ese mundo donde la pertenencia o no al grupo marca la posibilidad misma de la existencia.

La idea es facilitar la materia prima del actor, para que, respetando la dicción del verso, exprese su contemporaneidad y llegue nítido al espectador de hoy haciendo del clásico, como ocurre con los auténticos clásicos, una propuesta actual.

Alfonso Plou

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La daga de Caravaggio

Conoce Castilla-La Mancha os presenta unos fragmentos de la obra "La daga de Caravaggio", Adaptación de "Las preciosas ridículas" de Molière. Dirección Manuel Torres. Obra que se podrá ver el 27 de Julio en el Teatro la Veleta
La daga de Caravaggio
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La daga de Caravaggio
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La daga de Caravaggio es una versión libre de la farsa Las preciosas ridículas de Molière.

La daga de Caravaggio nace a partir de la necesidad de crear una propuesta y postura como compañía, sobre nuestra concepción del arte y el teatro clásico. Inspirados en las pinturas de Caravaggio y las comedias italianas en el teatro de Molière, exponemos el artificio, la opulencia y la miseria en una atmosfera tenebrista cuestionando que es realmente el teatro a través de la organicidad y el subtexto de la farsa.

Encanta Arte y Entretenimiento

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Teatro del Temple y Alfredo Sanzol arriesgan con Calderón y Shakespeare

La compañía aragonesa y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro presentan La vida es sueño dirigida por Carlos Martín Sanzol llega al Teatro Municipal con La ternura, obra inspirada en las 14 comedias del autor inglés
    Teatro del Temple y Alfredo Sanzol arriesgan con Calderón y Shakespeare
    Teatro del Temple y Alfredo Sanzol arriesgan con Calderón y Shakespeare
Teatro del Temple y Alfredo Sanzol arriesgan con Calderón y Shakespeare
Teatro del Temple y Alfredo Sanzol arriesgan con Calderón y Shakespeare

“Esta compañía merecía un sitio especial en el Festival por su honestidad y sus resultados”. Con estas palabras Natalia Menéndez, directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ha presentado la adaptación de Teatro del Temple de La vida es sueño, uno de los montajes protagonistas del último fin de semana de Festival.
 
La veterana compañía aragonesa presenta en el Espacio Miguel Narros el 28 y 29 de julio su particular visión del clásico de Calderón de la Barca adaptada por Alfonso Plou, Carlos Martín y José Luis Esteban y dirigida por Carlos Martín.
 
El espectáculo se forjó en Almagro el año pasado cuando Martín se encontró con uno de los protagonistas hindúes del Kijote Kathakali que identificó como el Rey Basilio. De esa aparición nació un texto que, según el director, “mantiene la riqueza del original con la sensibilidad contemporánea, un equilibrio entre lo clásico y lo menos clásico lleno de ritualidad”.
 
Alfonso Plou ha explicado que “la idea ha sido facilitar la materia prima del actor, para que, respetando la dicción del verso, exprese su contemporaneidad y llegue nítido al espectador de hoy”.
 
La obra disecciona la capacidad del ser humano para ejercer su libertad frente al destino. Se adentra en lo filosófico con una trama escénica donde los juegos de poder se cruzan con el deseo y donde la realidad está siempre contagiada por lo onírico.
 
Para el Teatro del Temple este montaje con música en directo era una deuda pendiente tanto por los temas que desarrolla como por la manera con la que Calderón los expresa.
 
Interpretada por José Luis Esteban, Yesuf Bazaán, Félix Martín, Minerva Arbués, Francisco Fraguas, Encarni Corrales, Alfonso Palomares y Gonzalo Alonso, la obra muestra un mundo opresivo con grandes paralelismos con la sociedad contemporánea. 

 
A continuación, se ha presentado La ternura, el proyecto del multipremiado director y dramaturgo Alfredo Sanzol basado principalmente en La tempestad, Noche de reyes y Mucho ruido y pocas nueces de Shakespeare. Coproducido por Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía, se representa en el Teatro Municipal el 28 y 29 de julio.
 
La ternura es el relato de amores posibles en situaciones imposibles en la que Sanzol sitúa a los personajes en una isla desierta lejana. Errores, suplantaciones y amores no correspondidos sirven de punto de partida para hablar de la ternura, lo absurdo y lo surrealista en un espectáculo dedicado, según su director, “para los que anden en su búsqueda”.
 
El montaje de Sanzol es una reflexión sobre esa visión del mundo que divide a hombres y mujeres, y se enriquece con la asociación de la palabra ternura con la fortaleza. “La ternura es la manera en la que el amor se expresa y expresar amor es un signo de entereza, un acto de apertura” apunta el director.
 
A partir del estudio y la influencia de las 14 comedias de Shakespeare, Sanzol ha creado un texto nuevo en el que se une la tradición grecorromana con la occidental. “La escritura se convirtió en un ejercicio de estilo en el que las palabras de los personajes recuerdan a los personajes de Shakespeare. En el teatro clásico la palabra es una arquitectura, un paisaje”.

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Entre tinieblas

Fecha del evento: 

Sábado, 29 Julio, 2017

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Villanueva de los Infantes

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Auto sacramental La Araucana

Conoce Castilla-La Mancha os presenta unos fragmentos de la obra "Auto sacramental La Araucana", A partir de la obra de Lope de Vega, Andrés de Claramont. Adaptación Rodrigo Faúndez Carreño. Dirección Tania Faúndez Carreño. Obra que se podrá ver el 26 de Julio en el Teatro la Veleta
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
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Auto sacramental La Araucana
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Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana
Auto sacramental La Araucana

El Auto sacramental La Araucana es una pieza de teatro religioso datada del año 1621, nunca antes representada en Chile. Se conserva en un manuscrito anónimo en la Biblioteca Nacional de España en Madrid. Su argumento alegórico presenta una versión a “lo divino” de la mítica elección de Caupolicán como toqui de Arauco, inspirado en la epopeya, de título homónimo, La Araucana (1569) de Alonso de Ercilla. Durante siglos, el auto fue atribuido a Lope de Vega, sin embargo, en su última edición crítica (2013) a cargo de Rodrigo Faúndez, se le atribuye a Andrés de Claramonte.

Nuestra intención es devolver al público contemporáneo una nueva versión del inédito auto inspirada en la estética latinoamericana postdramática y actualizar, con ello, las problemáticas de la cuestión indígena y los orígenes de la moderna nación chilena.

Rodrigo Faúndez Carreño

Para mantener el equilibrio entre lo salvaje y lo social, el ser humano establece unas convenciones no escritas que debe cumplir en su vida. Se establecen relaciones de poder que pasan de generación en generación, reforzando su eficacia y garantizando la continuidad de la especie.

Sin embargo, todos los animales salvajes intentan flanquear las barreras que limitan su libertad.

En clave de comedia, “La boda salvaje” pretende, como si de un documental se tratase, atrapar ese momento extremo de grandes expectativas, donde se muestra el comportamiento humano en su máximo apogeo. Una boda representa un hito crucial en las convenciones de una sociedad dedicada a la apariencia. La violenta exigencia del mandato social empujará a estos personajes a un abismo del que creerán poder salir. Pero antes enseñarán sus garras, reafirmando su territorio y mostrando su lado más salvaje con la fuerza proporcional a la represión a la que han sido sometidos.

Imagen/es: 

La Boda Salvaje

Fecha del evento: 

Domingo, 30 Julio, 2017

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Alcázar de San Juan

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a X amor o Mujeres Áureas reivindica a las autoras olvidadas del Siglo de Oro

Una coproducción del Festival de Almagro con mvmproduccions, Teatro de Ponent y Fira Tárrega. La pieza está dirigida por Txell Roda e interpretada por Pilar Martínez, Manel Veiga, Mónica Lucchetti y Laura López
a X amor o Mujeres Áureas reivindica a las autoras olvidadas del Siglo de Oro
a X amor o Mujeres Áureas reivindica a las autoras olvidadas del Siglo de Oro

"¿Por qué apenas hemos oído hablar de las mujeres autoras del Siglo de Oro? Esta es una visita de las mujeres de hoy al pasado para ver si pueden cambiar el futuro". Con estas palabras ha descrito la directora Txell Roda a x Amor o Mujeres Áureas, estreno absoluto en el Festival de Almagro, que podrá verse el 26 de julio en el Pradillo de San Blas y el 27 en la Ermita de San Juan. 
 

"Un espectáculo no de calle sino en la calle", ha matizado, que funciona como contrapunto contemporáneo e ingenioso a la tradicional mirada androcéntrica de la historia de la literatura. Una coproducción de FiraTàrrega y el Festival de Almagro, escrita por Jonay Roda que pone a la mujer escritora del siglo XVII en el centro de la escena, reivindicando su lugar en un periodo de grandes autores pero también de voces femeninas aún hoy en día desconocidas. 

En la pieza, un comando de escritoras de la época liderado por María de Zayas y Sotomayor protagoniza una batalla dialéctica con el popular Fénix de la escena, Lope de Vega, centrada en el papel de la mujer como personaje pero también como creadora.

"Este espectáculo pone en el espejo a las mujeres del pasado y a las del presente. Vivimos en un mundo en el que las autoras que estrenan siguen siendo una anécdota y en el que las actrices suelen interpretar el papel de enamorada del protagonista" ha subrayado Manel Veiga, intérprete de la pieza junto a Pilar Martínez, Mónica Lucchetti y Laura López. 
 

a X amor o Mujeres Áureas es además un espectáculo que reivindica la palabra en la calle, en los patios, en los corrales, en las alcobas, en las iglesias, en la palestra, para enamorar al público de hoy con fragmentos escogidos de textos literarios del Siglo de Oro.

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Localidad: 

Almagro

Provincia: 

Ciudad Real

Titulo: 

Twelfth Night

Conoce Castilla-La Mancha os presenta unos fragmentos de la obra "Twelfth Night", A partir de la obra de Shakespeare. Adaptación y dirección Kelly Hunter. Obra que se podrá ver el 25 de Julio en el Teatro la Veleta
Twelfth Night
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El espectáculo está interpretado por seis jóvenes actores que combinan la música acústica con la palabra, revelando el dolor y el éxtasis de enamorarse por primera vez. Los actores son también los propios intérpretes de la música y nunca dejan el escenario. Nuestra historia explora la locura del amor y la profunda necesidad humana de música. A la vez captura las inclinaciones transgénero, las transgresiones emocionales y los encuentros románticamente imposibles. Mientras las historias de amor se desarrollan, una broma aparentemente inofensiva va mutando en una trágica caída hacia la desgracia.

Como compañía, tras haber transitado por el dolor y el trauma con el montaje de Hamlet, estamos desviando nuestras fuerzas creativas hacia la expresión del amor, la música y el romance. Terminamos Hamlet con el fantasma de Ophelia ahogada contando su propio relato a su hermano, "Estoy ahogada, Laertes". Comenzamos Noche de Reyes con la casi ahogada Viola como retomando directamente desde donde lo dejamos. Con los mismos actores estamos explorando -como hizo Shakespeare- adonde nos lleva el coraje y la esperanza cuando son estos vehículos los que nos conducen.

Con apenas unos bancos de madera en escena para sentarse, instrumentos para tocar y algunas ropas y accesorios que podrían haber sido lavados en una playa, los actores crean una experiencia auténtica, divertida y conmovedora para un público del siglo XXI.

Kelly Hunter

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